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這個時間點看名揚四海，感觸或許多了點。
也許是年輕不再、也許是熱情消退、也許是看到些事，有了心境上的變化，讓觀賞名揚四海變得更加深刻、也更加叫人心情難以平復。
有夢最美。懷抱著夢想的人，看起來總是光芒萬丈，總叫身邊的人投以羨慕的眼光。
他們身上有著一股莫名的力量，彷彿世界就在他們的掌握中，只要努力，即可征服一切。
但是，隨著時間的褪去，大半的人都落寞了。青春沒有為他們停留下腳步，時間依然怔怔地往前跑，而夢想，那個因夢想而偉大的臉龐，多了歲月的刻痕，少了年輕的驕傲。
亞倫派克的名揚四海從一場混亂的試演會展開。
一群懷抱夢想的年輕人準備報考藝術學校，他們必須通過重重考驗，才能獲得入學資格。
入學考試的項目包括跳舞、樂器、聲音、演技、表達自我....，有人滿臉自信、有人惶恐不安。有父母對孩子的期望、有年輕人對自己的期許。
他們的目標一致：唯有進入學院就讀，才能獲得更多的機會，獲得更多人的賞識。
電影採流水帳方式推演，從試演會開始，到大學四年畢業的時間做結。
觀眾們跟著導演的腳步，看到一群年輕人如何青春美好、無畏無懼，眼見他們的努力、也看到他們的辛酸。
結局則是幾家歡樂幾家愁，有人愛過、有人失落、有人成名、有人墮落、有人努力、有人放棄....現實的壓力、理想的光芒在這群人身上閃現，而後逐漸黯淡消失。
身為一部歌舞片，卻沒有歌舞片的歡欣鼓舞。亞倫派克用近乎寫實的態度白描藝術系學生的生活。
對於有心走電影、藝術、舞蹈等相關科系的朋友來說，名揚四海簡直就是一部教學紀錄片。
成為一名藝術家，就代表生活充滿浪漫、充滿心靈探索、充滿自在的日子嗎？
想當演員，要先懂得去探索自己的內心、懂得用敏感與細膩的心，去體會他人的反應，去模擬生活中的細微動作：吃飯的神情、走路的方式、講話的語調。
想當音樂家，要先學習、涉獵多種樂器，並試著嘗試，寫出自己的樂章，讓創作可以打動他人。
想當舞蹈家，除了學會基本的動作外，還要能融會貫通，把技術當成一種心情的表現，利用技藝展現悲傷、歡樂，那微妙的擺動、轉身，都是一種情緒。
要當一個藝術家，不是只有技術，還有敏銳的心及天份。
劇中一位戲劇系老師對學生說了一段話，他說：這個世界上的演員可能有5萬人，但真正成功的卻只有500人，其他的人，都只能靠演小角色、接廣告來賺取微薄的生活費。
這段話道盡了社會現實炎涼與冷峻。不是人人都能當天才，天才也並非成功的保證。
但是，成功的人絕對都是經過一番努力。努力過的人，不代表就一定會成功。
名揚四海滿足了觀眾對於演員、音樂家養成的好奇心。也一窺年輕表演者在踏上表演殿堂前，所經歷的挫折與無奈。
既然是音樂電影，配樂和插曲，也就相對地重要。
我喜歡亞倫派克使用音樂的方式，他沒有遵循著老歌舞片的模式，讓主角們又唱又跳，說著自己的故事。
音樂穿插的很恰當，或許是餐廳裡的精彩互動、或許是學生家長為了推銷兒子的作品，而在大馬路上播放音樂、或許是主角們切磋音樂時，唱著自己的創作。
讓人印象最深刻的一場戲，是劇中主角們入學第一年，大夥聚在餐廳裡，忽然有人敲起邊桌、有人見狀，附和地彈起音樂、餐廳中的學生伴著突如其來的樂音，開心地跳起舞來，而一位女生，則伴在鋼琴旁，唱起了動聽的歌曲。
這段戲，既展現導演對於場面調度的能力，也充分展現了一群才華洋溢的年輕學子們，不羈、浪漫的個性，那種隨處可歌、可舞的自在，在在令人動容不已。
電影既可寫實，也可以忠實記錄一個時代的美好。
名揚四海有個段落格外突兀，劇中一對男女主角相約去看洛基恐怖秀。導演花了頗長的篇幅記錄了戲院觀眾觀賞洛基恐怖秀的行徑和過程。
洛基恐怖秀是美國知名的午夜電影，它是美國地下流行文化的重要現象，美國觀眾對該片的喜愛，近乎瘋狂的崇拜。
恐怖秀只在午夜映演，觀眾出席觀賞時，不但會模仿劇中角色的穿著，還會跟著銀幕上的人物對話、做動作、甚至玩遊戲。
即使抽掉這段記錄觀賞洛基恐怖秀的片段，都不影響名揚四海的完整性，為何導演執意收錄這段情節？
我想，除了刻意表現女主角從害羞的個性轉變的更有自信外，最大的用意，應該是跟該片致意(洛基恐怖秀也是歌舞片)、還有，就是記錄、記憶美國當代的流行文化。
突兀的洛基恐怖秀片段，讓名揚四海的紀錄片風格，更顯突出，也更具時代感。
影片最後，所有畢業生一起合作演出，結合了唱詩班音樂、交響樂團表演、還有熱舞表演，將氣氛推至高點。
只是，看完電影後，我不禁感慨起來。這群才華洋溢的年輕演員們，並沒有因為本片受到太多人的注意。查了IMDB，發現不少人還有繼續在演戲，或許是電視影集、或許是不知名的電影....，大部分的人，再沒有演過什麼知名的作品了，恰巧應証了戲劇系老師的那番話：5萬個演員，可能只有500個人成功。
我想，我對這部電影的感慨，也出自於此吧。
身邊不乏才華出眾的朋友，卻怎麼都衝不破那道藩籬，一群人困在同樣的情境中，反覆又反覆。
年輕時渴望不平凡的心，現在好像懂得妥協、接受；對生活的熱情，似乎正慢慢流失啊。
對很多觀眾來說，名揚四海的節奏或許略嫌緩慢，兩個小時的MTV音樂電影式流水帳，容易讓人感到疲倦。
但只要入了戲，只要認同劇中的演員們，那麼，這部電影就會有它的魅力，和它讓人驚喜不斷之處。
喜歡八十年代音樂、氛圍、舞蹈、相信青春無敵....的朋友們，千萬別錯過這部電影。

83元看首輪電影可不可能？？？
上週五請年假，想說可以在家好好地休息。朋友在前天晚上跟我說：嘿，台北日新戲院被華納收購了，所以，開幕當天的票價，一律只要83元！
真的假的？83元看首輪？這真是叫人好開心的數字啊！
二話不說，約了隔天要趕早排隊看便宜的電影，我心目中甚至規劃出了美好的藍圖：早上看料理鼠王、下午看場哈利波特、接著晚上可以去咖啡館喝咖啡讀小說，哇！這樣的假期肯定是愜意的不得了啊！
對於日新戲院的印象要回溯到我的高中時期。
1989年，我有兩個同樣愛看電影的好朋友，當時我們謊稱去畫室練畫，實際上，卻是不長進地窩在漆黑的戲院看片子。
由於年紀小、又沒啥錢，所以我們三個人最常窩在二輪戲院看片子，永和的美麗華戲院是我們摯愛的據點。
碰到喜歡的電影，我們可以待在戲院一整天，就為了重溫喜愛影片的倩影，啊！那真的是很蠢，但又很單純美好的年紀。
當然，光看二輪戲院不可能滿足我們的胃口，只要身上有錢，我們也會跑跑西門町看首輪電影。
那時候的西門町有那麼點沒落，帶著龍蛇雜處的味道。陰暗的巷子、老舊的戲院、曾經繁華過的痕跡，中華商場還佇立在大馬路的中央、中國戲院還沒變成停車場、萬年大樓地下室的餐飲店老帶著一股油膩很重的髒污、紅樓還未重修，看來老舊破爛...。
而電影街(武昌街)上，有著許多的大戲院，這些戲院的主要特點都是：廳大、銀幕大。
它們是真正的大戲院(國賓、日新、樂聲)，可容納的觀眾數量少說也千人；當年的國賓，還有著號稱全台最大、最好的銀幕。
這是一個多廳經營還沒有崛起的年代，一個華納還沒進入台灣的日子。這是外食可以自由進場的年代、電影街的觀眾正逐年遞減，觀眾正在流失的年代。
這是一個音響設備普遍不佳、杜比立體聲還不是戲院基本配備的年代。
這是一個座位還很澇賽，椅子跟椅子間的空間很窄小、戲院清場做的不是很徹底、銀幕、舞台上，盡吐著老舊呼吸的年代。
會對日新戲院有印象，是因為電影：末路狂花。
第一次看末路狂花，是在美麗華戲院觀賞。記得當初看完電影，我們三人同時愛上這部片子，不但人手一張電影原聲帶，電影也看了不下數次。
末路狂花在台灣的賣座並不好(我記得首輪才賣了500萬台幣左右)，電影後來獲得奧斯卡多項提名，入圍兩個最佳女主角獎、最佳劇本、導演等大獎，最後拿下最佳劇本獎。
因為奧斯卡的得獎加持，所以電影捲土重來，重新上了首輪戲院。
愛好末路狂花的我們，當然不會放過在大戲院重看本片的機會。
日新戲院是末路狂花的重映戲院之一，它的銀幕可比美麗華要大、要好上許多，名副其實的大戲院啊！
在大銀幕上看滾滾黃沙、看西部空曠的景致、看大峽谷的壯麗、還有看兩個女主角精湛、細膩的臉部表情，是一件讓我們都難忘的往事(即使這已經是我們第五次看末路狂花了)。
日新戲院因為重映了末路狂花，而讓我記住了它的身影。我想，這就是電影的魅力，也是戲院的記憶。
日新、國賓、樂聲本來是台北的龍頭戲院。所謂的龍頭戲院，就是當觀眾要看電影時，龍頭戲院通常是第一選擇，而龍頭戲院的票房收錄，也成了電影賣座與否的重要指標。
這幾年，由於華納進駐台灣，給台灣電影業帶來前所未有的衝擊與革命。
西門町的老電影們為了因應潮流、不讓自己被淘汰，不斷更新、升級音響設備、影城也相對的乾淨、專業許多。
日新戲院第一次改裝，應該是史特龍的巔峰戰士時期吧，這兩年又重新升級了一次，只是，戲院似乎無法招回太多流失觀眾的心，日新慢慢成了有點昔日黃花的味道哩。
這次，華納在收購日新戲院後，為了招攬人氣，打出看電影只要83元的策略，果然一舉奏效，吸引了大批的觀眾回籠。
83的電影票
週五那天，我早上十點多到電影街，街上已經擠滿了人潮，排隊的人龍從戲院那頭一路延伸、轉了三次大彎(從武昌街、康定路一路綿延到環河北路)，排隊的人潮，少說也有數千人！
好友山羊鬍九點多就去排隊了，卻還排在中後半段，可見觀眾對於搶小便宜這檔事，都有十足的經驗！哈哈哈哈！
我從來沒看過電影街可以排隊排成這種德性哩，簡直要用驚人來形容我的心情。
原來愛看電影的觀眾這麼多啊，為什麼片商還一天到晚喊窮？電影票價還不斷上漲？
我一直覺得電影票價這幾年實在漲的太離譜，西門町看場電影，全票就要收取280元，而華納，更可能高達300元之譜！
這是怎麼回事啊？曾幾何時，看電影成了有錢人的享受？
是不是因為觀眾流失了，所以戲院提高票價來平衡觀眾流失的比率？還是因為票價高漲，才搞得觀眾大幅流失？
83元的電影票，讓我們看到電影的人潮(可惜只是個案)，這次的人潮，讓片商、戲院業者看到潛在的觀眾群有多大、力量可以有多驚人。
日新戲院週五當日的票券，幾乎在中午前全數售完(下午二點多時，只剩下連體嬰的票還有剩囉)，即使一張票只賣83元，但一天下來，大廳千人、小廳數百人、一個場次可容納約1300人次，那麼一天可容納多少人次？一天可收入多少錢？
低價的電影票價是否真不可行？電影票價是否非要如此高不可攀？我想這是值得思考的問題吧！
當然，即使今天所有戲院都將票價降回200元，甚至150元左右，也不保證觀眾就會回籠。畢竟電影的沒落，還有很多其他的問題，像是DVD、第四台的風行！
我之所以這樣用力、大聲、努力的吶喊，希望片商、戲院業者努力降電影票價，實在是因為我個人的私慾啊！
哎，沒法度，誰叫我每年貢獻給戲院的錢那麼多，好不容易有場83元的便宜電影可以看，卻又因為搶票不如人，只能站在人潮中望票興嘆！
天啊，請體諒我們這些愛電影，又沒啥錢的觀眾吧，讓電影票價快點降回我們可以負擔的價格吧！

我先是被封面吸引：男孩蹲坐在一本翻開書頁上，看似無助地埋頭哭泣，書本內頁有無數藤蔓攀爬而出。
書名寫著：The Book of Lost Things--失物之書。
不知道為什麼，我覺得這個名字好美，關於失落、遺失的書，彷彿可以聽到封面上男孩的哭泣與懊悔。
「人說故事，故事才會活起來。要是沒人高聲誦讀，沒人躲在毯子底下、就著手電筒光，睜大眼睛專注閱讀，那麼在我們的世界裡，故事並不存在。
故事好似啣在鳥喙裡的種子，等候落地入土；像樂譜上的音符，渴望樂器將其帶進世間。故事潛伏靜待，期待現身的機會。
一旦有人閱讀，故事就開始變化，在想像力中生根，讓閱讀的人改頭換面。
故事渴望人來讀。大衛的母親會這樣低語。它們就是需要。所以，故事會排除萬難跳脫自己的世界，闖進我們這邊來。」--失物之書。
故事時空是二次大戰，各國征戰不斷、烽火連天，年幼的大衛，內心同樣紛亂，哀傷地經歷母親過世的悲劇。
數個月後，父親迅速再婚，更叫大衛難以接受，他以為父親就要遺忘母親、遺忘一家人曾有過的美好。
後母蘿絲想盡辦法討好大衛，卻得不到大衛的善意回應，情況在蘿絲的孩子喬奇出世後，更形混亂。大衛開始逃避一切，逃避擁有過美好終將結束的現實。
他開始聽到房間書本的低語呢喃、見到奇異的景象。某日，大衛聽到逝去母親的聲音，他追尋著聲音來源，跨入奇幻國度。
這個國度有著許多大衛害怕的怪物存在：靠著兩腿行走的狼人路波、長著娃娃臉的奇異花朵、巨型的毛蟲怪物、還有專門獵殺小孩的森林獵人....。
曾經幫助過大衛的森林守衛者：守林人說：如果你要離開奇幻國度，必須去找國王，國王有一本神奇的魔法書叫做失物之書。唯有藉著這本書，你才有重返自己世界的機會。
大衛被迫踏上旅程，穿越國度，前往國王的城堡，找尋失物之書。
失物之書，讓我聯想到「永不結束的故事(大魔域)」、「野蠻遊戲」、「迷走星球」、「北極特快車」、「納尼亞傳奇」等作品。
它們都有一個共同點：旅程。藉著一段旅行、一段特別、神奇的經歷，讓主角獲得成長，並且從中習得人生經驗。
失物之書遵循著老前輩的腳步，說著相仿的故事。但是，跟這些經典童書不同處，在於失物之書散發的黑色氣息，它那充滿血腥味道的黑色華麗。
以下將有劇情討論，如果有興趣閱讀本書的朋友，可以在這邊打住喔！
失物之書，關於童話。
「同樣的故事會在每個社會與每個年代衍生出自己的版本。」--格林兄弟。
失物之書擷取大量童話典故，將之改編，重釋新意。
小紅帽不再是單純的小女孩，她不但色誘野狼，甚至與其發生性關係。
白雪公主的毒蘋果，原來是七個小矮人意圖謀殺白雪的傑作。
高塔的睡美人，則是女巫的化身。
童話，是失物之書的靈魂。這些童話故事，正是主角大衛內心恐懼的象徵。
他在現實世界的房間，位於巨宅的閣樓，呼應童話故事裡，女巫老愛施法將公主困於閣樓上的公式。
日後，大衛旅行至奇幻國度中的詭異古堡，其頂樓的房間即是大衛在現實世界的模樣，而古堡中的女巫貌似後母，則是大衛不滿後母想像的具體化呈現。
同樣地，書中其他的怪物，則是來自所有曾經踏入奇幻國度孩子的想像，他們驚懼的心靈，創造了靠雙腳走路的野狼、長著孩子臉的花朵、人面鹿身的女孩、和殘殺成性的森林獵人！
失物之書，戰爭與成長。
小說中對於二戰的描述極少，至多只是一架飛機墜落在後花園，引發的熊熊大火。那麼，作者為何要將時空設定在二次世界大戰？
戰爭迫使世界走向一個新的紀元，一如大衛的旅程，讓他學會了成長。
書中，大衛本來只是個單純、普通的孩子，他善忌、膽小、面對挫折容易放棄，但是，隨著故事推演，他必須學著去面對、解決不同的難題與挫折，不管是逃離森林女獵人的捕殺、幫助村莊消滅巨蟲、深入古堡對抗邪惡女巫...。
到後來為了自保，不得不殺了想要搶劫的盜匪....。當大衛的刀從盜匪的身上狠砍下去的一刻起，他就不再是孩子了。
讀者們幾乎是親眼目睹一個孩子轉變成大人的重要時刻。那一刻，大衛就是戰場上的年輕軍人，終於看到生活中的殘酷與無情、終於明白自己失去了什麼、還有終於學會對生命無常的尊重。
失物之書，駝背人與故事。
書中的神祕人物：駝背人，是所有故事的源頭，一切的開端，伴隨著人類說出的第一個故事而來。
他力量龐大，藉著每一次人們口耳相傳的故事而永生，因為不同的傳說、耳語，有了不同的力量。他明白一切、洞悉所有孩子的歡樂與恐懼，他利用恐懼，一次又一次擴大故事國度的邊界。
他是現實世界的說客、軍火商、狗仔隊，靠著一張嘴，讓人們自相殘殺，踩著他人的屍首，得到利益。
只是，駝背人是所有開端，卻不是結尾。就像格林兄弟所說：每個年代都有自己版本的故事。
每個故事也會因為不同的人訴說，有了不同的想像與結局。
大衛的故事裡，有怪物、有戰爭、有恐懼、失落、難過，但他的故事中，同樣擁有著騎士、正義、勇氣、與成長！
他的成長，改變了奇幻國度的結局。他創造了自己的世界，一個光明足以驅逐黑暗的國度。
失物之書，關於失落。
每個孩子心中都渴望著愛與被愛。故事剛開始時，大衛只是一個害怕失落的小孩。當母親病痛時，他明白了失落。
當父親跟新媽媽相戀、結婚；當新弟弟誕生時，他懼怕失落
失落啃食了孩子的笑容，放大了孩子的心魔。
大衛討厭家裡的一切，他希望新母親、新弟弟可以從他的生活中消失。
他讓失落的力量佔據了他的靈魂，他藉由不自然的昏迷，讓自己逃開生活中難以承受的痛。
但是，失落是人生的一部份，人生，則是所有故事的一部份。
當大衛終於找到國王，尋得失物之書，才發現，原來失物之書不是一本神奇的魔法書，而只是一個男孩的遺憾。
那是一本日記、一本相簿、一本回憶，那是一個男孩子在背叛了妹妹之後，唯一存留下來的證據。
這時我們明白，原來人人都有一本失物之書。它可以是書中老國王對於過往遺憾的記錄、也可以是讀者們家中的相簿、日記、部落格，甚至是讀者心中不曾說出的祕密。
失物之書暗指所有我們失去的人、事、物，所有在我們心中佔了一席之地的人。所有我們錯過的遺憾、所有我們無法改變的事實、所有我們心疼的傷痛。所有我們擁有過的、美好的、燦爛的一切。
作者約翰．康納以充滿視覺性、血腥、黑暗的筆法，用一則又一則經典的童話故事，帶領我們進入他的世界。
大衛就是約翰童年回憶的化身，而大衛的經歷，就是作者心中最深沈的夢囈。
他讓我們看到世界黑暗的一面，卻也讓我們在大衛的身上，重新體會面對失去的勇氣、對人的寬大及親情的重要。
失物之書是一本好讀又精彩的小說，它故事性很強，非常適合翻拍成電影。
我喜歡作者的筆觸，喜歡他對血腥的熱愛，喜歡森林女獵人捕殺人頭動物的變態。喜歡作者對於大衛心境轉變上細膩的描述，
我更喜歡這本書的結尾，當年邁的大衛重遊奇幻國度，所有他關心的人都在那裡笑盈盈地迎接他的到來。然後，大衛開心地笑了，滿足地闔上了雙眼。
奇幻國度，或許是孩童最可怕的想像之地。
卻也是每個成年人，一心嚮往的純真之地。
「每個大人心裡都住著一個孩子；而每個小孩心裡，都有個未來的成人靜靜等候。」--約翰．康納利。

Larry和Chuck是多年摯友，Larry出了名專情，太太過世多年，卻依然困在感傷中，無法走出陰影，也無法與別的女性共組家庭。
另一方面，Chuck則是遊戲人間的花花公子，性喜女色，一天到晚跟不同的女生上床。
他們同為消防局的夥伴，卻在一次消防意外，體會工作的危險性。Larry擔心自己若有不測，兩個摯子該如何是好？
由於美國憲法規定，個人財產的身後受益人，只可指定其伴侶。Larry在尋不著其他女性(加上對人的不信任)，他決定跟Chuck共組家庭，假扮同性伴侶，如此一來，即使他遭逢不幸，至少Chuck會擔任保護愛子的工作，並且善用遺產，幫助孩子成長。
然而，事情往往不如想像中的單純，美國政府為了防堵有人鑽法律漏洞，特地派員調查Larry和Chuck是否真為同志戀人，其婚姻是否建立於一樁謊言.....。
愛看喜劇片的我，對亞當山德勒自然不陌生。
我很喜歡他的瘋狂高爾夫、婚禮歌手、愛情雞尾酒、呆呆向前衝、和我的失憶女友....等片。
他的影片總是特別懷舊、純樸，音樂、笑點都很有山德勒式風格：一種帶著溫馨、嘴賤、小聰明的喜劇。與一票靠誇張肢體語言見長的喜劇演員(金凱瑞、艾迪墨菲、麥可麥爾斯...)有很大的差別。
這兩年，山德勒的電影雖然好笑依舊，卻也變得比較....愛說教。
首先，姑且相信這樣假結婚真有說服力好了(多年異性戀好友，忽然一夕之間變同志結婚，事前還完全沒有徵兆....)，我心中仍不免有些疑問。
假結婚的意義何在？即是希望一方出事，另一方可以用退休金來保障小孩生活無虞。
但Larry和Chuck都是同進出火場的夥伴耶，那場火災意外，也是兩人同進醫院。
也就是說：如果真的出事了，這兩人同時送命的機率，其實也不小哩！那麼，這整場連番鬧劇(假結婚)，即是建立在一個不穩定的基礎上(保人、受益人有可能同時命喪災難現場)，不是很奇怪嗎？
如果今天Larry或Chuck其中一人辭去工作，或特地調開兩人上班的時間，這樣是不是比較合理？至少減低兩人同時喪命的機率吧？？？

今年暑假有兩部電影被我列為必看，一部是變形金剛，另外一部則是料理鼠王。
之所以這麼期待鼠王，除了那幾乎已成品質保證代名詞的皮克斯大名外，更重要的是該片的導演：Brad Bird。
開始喜歡Brad Bird，是因為他的舊作：鐵巨人。
鐵巨人是一部可愛的動畫片，故事簡單的很：一個外太空機器人和小鎮男孩的友誼。劇情猶如E.T外星人加上變形金剛的綜合體。
故事時空設定於美蘇冷戰時期，那是美國和蘇聯不斷發展軍備、科技競賽的年代。科學的高度發展，導致核武陰影籠罩，不知道蘇聯會不會忽然發動核武攻擊、不知道世界會不會忽然毀滅。
此時，一個巨大的機器人墜落在美國，自然引起政府的注意，並且派員調查。而故事的趣味，就在男孩為了保護機器人，不斷跟政府官員鬥智的過程上。
鐵巨人探討的主題，可以說是Brad Bird近期電影的原型：異類、選擇、融入、接納。
鐵巨人平時單純、善良，看似無害，然而，當他受到威脅，就會自動變身成巨型武器，並展開反擊。
擁有龐大能力的鐵巨人，可以選擇要當什麼樣的角色，拯救世界的英雄？還是毀滅世界的致命武器？皆取決於心。
逗趣的情節發展、美系老派的畫風、3D動畫(鐵巨人)和2D平面動畫的巧妙融合、加上導演優異的說書技巧，讓鐵巨人成了一部富高度娛樂性的佳作。
影片雖沒有獲得票房成功，但Brad Bird的導演實力，深獲皮克斯的讚賞，他們邀約Brad加入行列，幾年後，合作推出超人特攻隊，成了皮克斯系列電影中，最讓人驚喜的一部。
超人特攻隊延續鐵巨人對認同主題的探討，主角們同樣無法融入社會(正反派皆如此)。
超人家族擁有強大的能力，卻害怕成為眾人眼中的怪胎，而加以隱瞞。
而劇中的反派Buddy，利用科學創造出虛假的超能力，只為了滿足人們對他投以崇敬眼光的虛榮、為了賺進更多的錢。
不管是超能力、或是科學，善用者，造福世界；而貪念者，則利用力量帶來渴望得權力。超人和Buddy，不正巧是鐵巨人性格分裂的兩面嗎？！！
不管是單純有趣的鐵巨人，或是故事更形複雜，卻絲毫不減趣味的超人特攻隊，Bred Bird藉著他流暢的說故事技巧，證明自己是一個值得期待的導演。

根據同名小說改編的電影「失戀排行榜 High Fidelity」，是一部壞男孩成長日記。
全片以男主角Rob的角度，說著自己跟女友分手的始末。第一人稱+後設方式來探討主角感情無法長久的主因！如此的手法不是首見，伍迪艾倫的「安妮霍爾」也是如此。
兩片皆充斥著主角的自問自答、都有主角多段感情的交叉比對、都會問男人在意的蠢問題，比如說：我跟妳現在這個人，誰比較好？(指性能力....)....。
只是，比起「安妮霍爾」全片散發的單純、天真氣息，「失戀排行榜」明顯世故許多。
「失戀排行榜」的男主角Rob是個不折不扣的爛情人。他對感情不忠、善忌、猜疑心強、控制慾高、脾氣壞、驕傲自大....。
他不懂為什麼沒有一個女生願意跟他廝守終身、總是移情別戀？他以為所有的問題都出在別人身上、他以為自己是被拋棄的人。
他像是長不大的男孩，想要什麼，就要什麼，卻沒有用心。
對於喜歡的人，就去追求。玩膩了，就放棄。這一直是他的人生哲學。
第一天認識Laura，Rob就替她製作一捲”好音樂精選集”，很浪漫，是吧！
但是，當Rob認識別的女生時，他也同樣替對方製作一捲精選。
這時我們才發現，原來所有的浪漫，都不浪漫。所有的浪漫，只不過是反覆使用的伎倆。因為她喜歡、所以她應該也會喜歡。
而所謂的精選集，不過就是將別人的創意納為己有，就跟抄一本情書大全的行為沒有兩樣。
這個行為暗示了主角的個性，他不是個創造者，他只是投機取巧。
隨著年紀增長，取巧的Rob驚駭地發現自己可能將孤老終身，不斷反覆替換枕邊人，只是一種依賴，吸允著短暫的刺激和激情。
Laura的離去，讓個性不定的Rob得以面對性格上的缺陷。
他慢慢明白，所有的關係，都不是建立在激情身上。激情，是兩個陌生人間的催化劑。
激情，是被美化的感覺，它遮蔽了私人生活中最細微的醜陋：睡覺打呼、摳腳趾、內褲穿了多天、襪子發臭、生活習慣差...。
他在Laura的身上，發現自己的欠缺，他在她的堅定中，明白了自己的不堅定。他在失去她的日子裡，明白生活的空虛，不能靠著一次又一次的性愛來填補。
而一段成功的關係，建立於兩人間的信賴、建立於對彼此的信心、還有兩人共同付出、建立而成家的感覺。
終於，壞男孩悟到了男女關係的真理，學會愛人、學會付出、學會用心。
噹，普天同慶，世界上又少了個長不大的壞男孩，多了個好男人。End。
「失戀排行榜」拍的輕鬆有趣、引人入勝。
首要感謝劇本。小說改編自Nick Hornby的作品。我發現Nick的小說，都是關於不願負責、不懂付出的男人(男孩)的故事(非關男孩、愛情全壘打)。
「失戀排行榜」的趣點，在於劇中角色特愛排各式各樣的排行榜。
影片一開始，Rob跟女友Laura鬧分手，他賭氣地說出五個女生的名字，他說這是傷害他最深的五個前任女友，而妳，Laura，連前五名都排不上，妳在我心目中是那麼地微不足道。
他用排名來傷害Laura的自尊心，意圖掩蓋自己被甩的羞愧感。

爽！看完終極警探4.0，我只有這個評語！
真是讓人爽到翻，所有的爆炸、飛車追逐、近身肉搏場面，都精彩地叫人喘不過氣。
年紀一把的威利老兄證明自己年過五十，仍是一尾活跳跳的活龍！
4.0的劇情很簡單，一群駭客搞翻全美，意圖搶錢！原本計畫天衣無縫，駭客如入無人之地，為所應為，卻沒想到在最關鍵時刻，碰上了蟑螂性格、永遠打不死的威利老兄，雙方你來我往，砸壞一堆車、炸毀一堆房舍、高橋、最後，不意外地，壞人全部伏法在威利老兄的努力及對正義的堅持之下...。
電影好不好看？我可以說很大聲地告訴大家：如果喜歡動作電影，那麼，千萬別錯過。
前半段，送上動作電影少見的驚聳情節，駭客入侵全美電腦系統，造成人民恐慌、國家秩序大亂。尤其那一場剪接所有美國總統談話的畫面，用來威脅美國民眾的場景，簡直詭異、駭人到了極點。
另外，當駭客入侵電腦，造成交通號誌全部失控，路上車禍連連、火車、飛機全面停駛；全國性大停電，切斷人民生活所需；在電視上，播放白宮被炸毀的場景....等，都讓我想到魔鬼終結者的劇情：未來世界，不是毀在自然反撲、而是電腦全面控制人類生活...。
一種對於科技的焦慮，被放大呈現於電影銀幕上！如果世上真有如此神通廣大的駭客高手侵入國家機密，我相信，世界不會毀滅，但是全球秩序將會崩盤。
終極警探4.0揭示的是一種新型態的恐怖，不須炸彈、不須大批軍力，即能讓社會癱瘓。4.0把全民公敵、網路上身的電影情節擴大，融合後911人民對於恐怖攻擊的陰影，成就了今年動作片最驚聳的一刻。
由於終極警探4.0的動作場面實在是太精彩了，所以我在看電影的時候，腦袋瓜呈現一種催眠狀態，只會接收銀幕的畫面，不會反思銀幕的訊息。
電影結束後，才有機會細細回想電影的情節。我發現幾個有趣的點：
1.為什麼終極警探系列的配角，都是有色人種？
有沒有人發現，終極警探系列一個百年不變的梗，就是當威利老兄陷入危機時，幫他忙的警察，剛好都是有色人種。
第一集是個黑人警察、第二集警察變成拉丁美洲裔、第三集的警察人數很多，但最主要的警察配角，是個原住民裔。到了第四集，反駭客集團的政府官員包曼警官，也是原住民血統哩！(他在電影鯨騎士演的就是紐西蘭的原住民～～)
是因為怕電影充斥太多的白人優越意識，所以要找個有色人種配角來平衡？或是，電影意圖傳達種族合作，內外一條心的美國精神？？？
2.駭客中的高手：魔俠！
為了對付電影中的壞駭客，威利老兄和他保護的駭客青年馬修，特地去找一位駭客高手--魔俠幫忙。
當我看到魔俠的肥臉出現在銀幕上時，不禁噗嗤笑出來。不會吧？這個肥仔居然跑來演終極警探？？？
獨立電影的搞笑大師Kevin Smith難得演商業電影，真是叫人喜出望外啊！這位仁兄有啥了不起？他導演的瘋狂店員、白爛賤客、怒犯天條.....等等白爛喜劇，可是一手捧紅了麥特戴蒙和班艾佛列克喔！
雖然Kevin在台灣的知名度不算太高，但在美國，他簡直是白爛、宅男喜劇導演的代名詞，擁有無數地下影迷。
這次Kevin跨刀演出終極警探4.0的宅男駭客大師，表現不多，但出場就是驚喜，好樣的啦！

力宏大哥您怎麼了？聽完您的新專輯，我腦袋空空！
這這這這....，這張「改變自己」專輯怎麼會聽起來這樣彆扭？
好吧，我要冒著被黃綠紅歌迷們公幹的危險，說出我對這張專輯的感受！
那就是：王力宏，您真的是太正面、太光明、太陽光，刺的我眼睛都張不開了。
究竟有沒有抄襲呢？
我其實不討厭主打歌「改變自己」，雖然聽起來很耳熟，感覺這調子哪邊聽過(有麥可傑克森叔叔的影子哩)，但是歌曲旋律譜的輕鬆愉快，歌詞又小有興味，那台語發音的龜毛，還有點小驚喜呢！
而且黃綠紅先生說他做這首歌是要勉勵大家做環保，從自己改變、進而改變世界！好，好一個宏願，果然很有陽光偶像的氣質！
「落葉歸根」被拿來當做第二主打，並聘請知名攝影師來拍MV，抒情動聽的旋律，擺明主攻KTV市場！
只是，這首歌不管是歌詞、意境、音樂，都有周杰倫的影子，是怎麼一回事啊？尤其副歌的部份，跟周先生的「千里之外」好像喔！
是不是走中國風的歌，就只能有這樣的調子？
黃綠紅先生的作品總是有很多歌曲的影子，也不知道是巧合還是刻意，不少作品都聽的到某些老歌的影子。
這都沒有關係，我覺得只要歌好聽，加上王力宏越來越成熟、大氣的嗓音，我都能接受。
但是當我聽到「你是我心內的一首歌」這首歌時，我臉忽然綠了一下！
這首男女對唱曲(和SHE的Selina合唱)，王力宏嘗試唱了幾句台語，嗯，確實勇氣可嘉，只是聽起來好彆扭。而且，這首歌擺在專輯中，相當突兀、奇怪，讓專輯的調性大亂！
歌曲旋律很老派、耳熟，想了老半天，我才想起歌曲的旋律好像鄧麗君小姐的某首歌(歌名我忘了，王菲有翻唱過)～～
我不禁懷疑，為什麼這樣一張意圖走在流行尖端的專輯，會突然出現一首如此老舊的歌曲？
這是執行上的突搥？還是有所意圖？
香功堂陰謀論又要開始了....。
前一陣子，SHE的「中國話」鬧的紛紛擾擾，有人說這首歌刻意向大陸靠攏、討好大陸聽眾；有人說音樂就是音樂，不要多做政治聯想。
我記得第一次聽到這首歌，只覺得歌詞寫的並不差，歌詞中的繞口令也算有趣。只是其中有幾段話顯得過火，聽的我有些不舒服，比如說：
「全世界都在學中國話
孔夫子的話　越來越國際化
全世界都在講中國話
我們說的話　讓世界都認真聽話 ....」
這樣的歌詞，會不會太自大？自戀？還是自卑？
因為媒體多方報導，等於替SHE做了免費的宣傳，專輯後來在台灣賣的還不差。更厲害的是，據說這首中國話，在大陸可火紅的哩，讓SHE順利打開大陸市場的大門！
想不到，「中國話」才推出不久，王力宏馬上響應，寫出了「華人萬歲」，這兩首歌，簡直是相互呼應，一氣相通。
我其實有些失望！我認為「華人萬歲」太過商業、太過炒作、太過火了，也讓我對「改變自己」專輯，打了個大叉叉！(我不認為商業不好，但是沒有格調的商業，卻讓人無法忍受...)
喜歡王力宏，是因為他的「不可思議」專輯，那是一張很黑的專輯、音樂很有水準，聽的出來創作者相當有企圖心，想要塑造比較深沈一面的王力宏(有別於陽光偶像的形象)。對當時的國語樂壇來說，「不可思議」是一張難得的流行專輯(可惜賣的不是很好)。
之後，「心中的日月」、「蓋世英雄」兩張專輯，更進一步確定王力宏的創作方向。他遠赴大陸邊遠地帶，蒐集失傳歌謠、努力融合東西方音樂、搖滾、饒舌、小調、京劇...等曲風於一身，他的音樂開始多了點自己的味道，一種專屬於王力宏的曲風逐漸成形。
雖然不少人質疑他的創作常見的抄襲毛病，但我依然肯定他的努力，他的編曲、歌曲擺置，都有一定的水準、他製作的國語專輯，至少很有誠意、至少不會給人騙錢的感覺！
但是，「改變自己」真是讓我倒彈(心痛啊)。
撇開裡面不少歌聽起來都似曾相識的問題，整張專輯的曲風跳的太混亂，前後曲常讓人以為在聽不同的專輯。
專輯勵志歌曲很多，像是「改變自己」、「愛的鼓勵」等，歌詞正面光明到讓人雞皮疙瘩亂竄，簡直可以列名救國團的教唱範本！
而「華人萬歲」這首歌.....，歌詞更是經典！
幹嘛大家都要寫歌來表示自己有多愛國？多高興自己身為中國人？還是多驕傲自己是中國人？
我以為會寫出這樣歌詞，只有三種狀況。
第一種，自戀。
因為太愛自己生為中國人，所以忍不住要寫歌來讚嘆！所以忍不住要大喊：華人萬歲、華人萬歲、華人萬歲！
第二種，自卑。
因為對自己極度沒有信心，害怕別人瞧不起自己，所以趕忙寫歌，告訴大家：我很棒、我的民族很棒、我的國家很棒、我的血統很棒。
第三種，操作。
純商業考量，講好聽：因為我愛中國人。講難聽，我只是想賺進所有華人聽眾的錢！
雖然王力宏在歌詞中說了：I’m Born In The USA But Made In Taiwan(雖然我是美國出生，但我是正港的台灣人)。
但怕引起大陸歌迷、或其他地區華人不快，在歌詞的最後，不忘歌頌全球華人：
「王建民的控球 華人萬歲
馬友友的琴聲 華人萬歲
李安的電影 華人萬歲
劉翔的跨欄 華人萬歲
朗朗的鋼琴 華人萬歲
成龍的拳頭 華人萬歲
十幾億個華人 萬萬歲
下個會是誰呢....」
王力宏寫這首歌的用意，是用來激勵大家嗎？要大家以身為中國人為榮？
可是，真有人聽完歌之後，開始覺得自己很了不起？當中國人是一件自傲的事？(要對自己國家感到自傲，不是一首歌就可以達到催眠目的！)
那些認同自己、認同國家的人，根本不需要這些歌曲來加強民族意識吧。
如果寫歌的目的是要讓外國人知道中國人是了不起的民族，那麼，中文歌詞如何引起外國人的注意？他們根本聽不懂中文啊！那說穿了，寫這首歌，純粹自爽吧！
還是，這首歌是寫給小朋友聽，讓他們懂得自我尊重，讓他們更喜歡自己？
或者，這首歌是寫給有心人士聽？除了拉抬自己的愛國身價、更可以討好全球華人？
「2008年 我好期待 看華人在北京拿金牌
或如果有選手打破世界紀錄
一定會聽見現場忽然變得掌聲如雷
在歷史的那一刻就會聽見大家一起吶喊
四個字 就是什麼
華人萬歲 華人萬歲 華人萬歲 華人萬萬歲
華人萬歲 華人萬歲 華人萬歲 華人萬萬歲
奧運選手加油
一起努力才能蒸蒸日上
I’m Born In The USA But Made In Taiwan
雖然我的藝術讓我馬不停蹄流浪
但落葉歸根在東方才找到我的家
所以請你深深的吸一口氣
感受一下我的音樂給你愛的鼓勵
把你的手揮在空氣裡 身體的國旗
驕傲的說我可以改變世界 改變自己
做一個領袖 做一個領袖
領和袖 我都有 Now Let’s Go
左邊的說Hey 右邊的說Ho 大家都說華人萬歲」
創作者的心態是什麼？我猜不準，也許真如王力宏所說，他是因為看到很多外國人學中文，所以才興起寫一首歌來讚揚中國文化的偉大吧！
只是，「改變自己」實在無法打動我，除了它基本的音樂元素大不如前，驚喜度不高外，編曲很跳痛，前後曲常有突兀的表現、文詞創作，又讓人詬病(還是只有我這樣反感？？？)，都影響到專輯的完整性。
遺憾的說，黃綠紅這次的出擊，並沒有改變自己，只有改變了我對這位音樂人的信心指數啊！

久仰電影畢業生的大名，卻遲至40年後，才有機會欣賞。
這部1967年出品的影片，曾帶給美國觀眾極大的震撼，不管是劇中情慾的表現手法、演員精湛演出、或是動聽的插曲，皆一新觀眾耳目。即使多年後欣賞，依然讓人叫好。
電影開始於男主角Benjamin木訥的神情。
他剛從學校畢業，回家參加父母為他準備的宴會。Benjamin在校是名資優生，拿了不少的獎學金、獎狀。可是他並不開心，他徬徨、害怕，他不知道未來的路該怎麼走。另一方面，他也痛恨生活一成不變、總是照著父母的期望前進，他意圖反抗，卻不得其門。
在宴會上，煩悶的Benjamin吸引了Robinson太太的注意。
Robinson太太雖然年紀一把，卻風韻猶存。她滿身情慾，無處發洩。她是不知足的女人，她需要愛情、需要別人奉承、需要重新享受被捧在手心的滋味。所以，她挑上了單純、青春的Benjamin。她挑逗了Benjamin，挑開了一場禁忌。
禁不住誘惑、加上反抗心態，Benjamin陷入Robinson太太佈下的情慾陷阱。他們享受著魚水之歡，享受生命。
一個偷情的婦人、一個性啟蒙的青年，各取所需的雙方，靠著微妙的平衡，相互利用，直到Robinson太太的女兒Elaine出現，壓垮了原本微妙的平衡。
Benjamin很快喜歡上Elaine單純、直率的個性，倆人迅速展開熱戀。這段感情，不意外地打翻了Robinson太太的醋罈子。
不管是什麼年紀的男女，一旦有了愛、有了感情、有了佔有慾，只要其中一人移情別戀，另一方便不惜以同歸於盡來結束一切。Robinson太太便是如此，即使情敵是她自己的女兒。
Elaine得知母親和男友之間的不倫情事，難過離去。深愛著Elaine的Benjamin，為了挽回女友的心，決心遠赴他鄉，喚回女友的信任....。

有些電影，光是劇情大綱，就會吸引我的注意。
我向來對勵志電影有興趣，尤其是英國小品勵志，那更是我喜愛的題材之一。
這全都要怪：一路到底脫線舞男。因為這部電影讓我在戲院裡不顧形象的狂笑，展開了我對英國小品勵志電影的好印象。
之後，舞動人生、樂翻天、辣媽寫真....等，都能帶給我開心的時光。
所以，當我看到洞裡春光的預告片：一個老阿媽為了籌錢給孫子治病，不惜下海當性工作者.....！
勵志有趣的故事大綱+英國電影+小品，這些基本元素自然引起我的好奇心。
只是，英國小品電影有兩類，一類：電影不只好笑，還能利用事件，呼應一些社會現象。
另外一類，則是單純好笑，但是電影沒有太多的厚度。
而洞裡春光，很可惜，我將它歸類於後者。
這類電影，都有一個相同的出發點：因為某些事件(經濟問題)，讓主角們做出一些驚世駭俗的舉動。這個舉動不但讓小鎮居民議論紛紛，主角們也會面對來自家人、同伴異樣的眼光。但是他們不以為恥，反而在經過一連串的事件發展後，從心靈、乃至對家庭的責任心，皆獲得成長。
洞裡春光的問題，始自於孫子重病，家人籌不出錢來，所以老阿媽只好去找個可以很快賺錢的工作，幫孫子籌醫藥費。
尋覓之下，她來到紅燈區，紅燈區的老闆見老阿媽有一雙觸感很好的手，所以請她擔任：打手槍小姐。
所謂的打手槍小姐，就是牆上挖了個洞，客人將小鳥從洞裡伸出，由小姐幫他們解決生理需求。
老阿媽一開始有所反抗，但隨著孫子病情日益嚴重，經濟問題迫在眉梢，她不得不逼迫自己從事這樣的行業。然而，老阿媽柔軟觸感的雙手，很快遠近馳名，一堆男人紛紛排隊等著讓老阿媽幫他們打手槍....。
這是一個很工整的劇本，先是危機(孫子重病)、然後出現了轉機(打手槍的工作)、在經過一段時間的穩定期(老阿媽跟老闆的戀情)、危機重新出現(家人、鄰居發現老阿媽居然在性場合做事)、最後老阿媽被迫面對壓力，家人的不諒解、鄰居冷眼，讓她心力交瘁。但她總算可以不顧他人眼光，活出自己(結束)。
電影其實挺好看，劇本寫的很幽默，很多細節都讓人會心一笑。
比如說老阿媽本來很排斥工作，但在工作一段時間後，她終於可以將工作當成生活的一部份，她不但佈置了自己的小房間，還練就一邊幫人打手槍，一邊看書的本領！
另外，老阿媽因為手槍打太多，所以打到手肘發炎，然後將之取名為：手槍肘。(因為打網球打到手肘發炎，叫做網球肘，所以打手槍打到發炎，自然就叫手槍肘囉)
而老阿媽和老闆的黃昏之戀，也純情的讓人好笑。不管年紀多大的人，一談起感情，也是扭捏的好不自在啊。
只是，欣賞洞裡春光的時候，我總覺得電影少了點什麼？
仔細一想，我發現它不是少了什麼，而是多了刻意。
不管是一路到底脫線舞男、辣媽寫真、舞動人生....，這些電影之所以吸引人，是因為主角選擇的行業。
因為行業不容見於世俗、小鎮保守的民風，才更凸顯主角行為的奇特。
脫線舞男跑當脫衣舞男，希望可以改善經濟狀況不佳的困境。
辣媽寫真，是一群阿媽突發奇想，拍攝全裸寫真，賺錢籌善款、改變一成不變的生活。
舞動人生的小男生，則困在女生堆中，穿上緊身衣，跳起天鵝湖....。
雖然理由不同，但電影中的角色確實從他們的行為中，玩味、挑戰人們對於禁忌的認知。
就像脫線舞男，電影不只關照了男人全裸跳舞的議題，還關照到了女性對性的渴望(如果女人可以擔任花花公子女郎來取悅男人、男人為什麼不能為了取悅女人而脫衣呢)！
洞裡春光同樣尋著前人的腳步，講出同樣的故事。但我不是很喜歡「孫子重病」這樣的點哩。也許我覺得這樣的劇情安排很老梗，因為孫子重病，所以讓老阿媽的行為合理化？我以為理由可以更顛覆一些。
好吧，不提孫子重病這樣的引題，我也對電影沒有做出對比，感到失望。
老阿媽的行為，是對還是錯？擔任性工作者，是可恥？還是正當？
其實影片有它可發揮之處，大可引申出女性議題。比如說劇中教導老阿媽工作的露易莎，她跟老阿媽說：當妳掌握了他們的命根子，他們的命運就在妳的手上，妳要他們高潮、他們才會高潮。
我很喜歡這樣的說法：一個平凡無奇的女人，用雙手征服了世界上無數的男性。
但是，當事件曝光，當老阿媽的某位女鄰居指責她行為的正當性時，老阿媽忽然義正嚴詞地反駁這位鄰居沒有資格指責她的行為，因為她知道這位鄰居曾經跟自己的亡夫發生過婚外情....。
這個梗....，我實在吞不下去啊。的確，觀眾需要一個情緒出口。看著老阿媽為救孫子一命，下海當性工作者，卻還是被眾人指責是很難過的事情。但是，為何會選擇去詆毀一個女性，來凸顯另一個女性的偉大？
老阿媽跟鄰居的恩怨情仇，除了一開場時，兒子問過老阿媽：怎麼妳還要過去她家作客？這樣的一句話外，沒有多加琢磨。
所以鄰居與老阿媽的對峙，變成老阿媽為了圓自己行為的正當性，才對對方口出惡言。讓她為自己平反的力道大減啊。
更讓我無法接受的是擔任性工作者，究竟哪裡不對了？既沒有殺人、更沒有放火。
這項工作有它禁忌之處，但是，這項工作確實正當，而且在英國，這完全沒有違法！
我原本希望電影可以去討論性工作者的正當性，至少，多呈現一點老阿媽兒子面對籌錢問題的束手無策、或是鄰居們自以為衛道、高尚，背地裡卻更加背德、虛偽。
我以為透過配角們的行為，才能凸顯老阿媽行為的高尚與無私。
而老阿媽片尾帶著驕傲的神情教訓這些虛偽鄰居的時候，才更加有說服力(或是她行為的正當性)。
很可惜，電影沒有著力太多在這方面。它只是單純地講一個故事，讓觀眾明白老阿媽的苦處，卻沒有讓觀眾看到更多的議題。女性為了生存下海當性工作者，為何要受到異樣眼光？？小鎮居民的反應，是因為他們比較潔身自愛？還是他們對這樣工作的反感？又為什麼反感？是因為自己老公可能是其中一個顧客？？？
而老阿媽的兒子在得知自己母親去擔任性工作者後，他勃然大怒的原因，是因為他覺得自己的媽媽很敗德？
還是因為他無力籌錢，象徵的是男性的無力，要靠女人的雙手才能渡過難關，讓他覺得面子上掛不住？？？？
洞裡春光其實可以玩出很多有趣的東西、可以講出很多有趣的議題、可以顛覆出很多似是而非的觀點！
可惜，它畢竟不是一路到底脫線舞男，更不是精彩的舞動人生，它只是一部把故事講的流暢，劇情讓人捧腹大笑的好看電影罷了。
炎炎暑假中，如果看厭了打打殺殺的動作片、或是一堆大成本電腦特效片。那麼，看點小品確實可以綜合一下過重的口味。
我想，洞裡春光可以帶給大家一個愉快的時光，讓人們在步出戲院時，帶著溫暖、滿意的笑容。
PS.看完電影後，我不禁要問自己，如果有一天我發現自己的家人曾經擔任過性工作者，那麼我會如何反應？大家會如何反應？？